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30 dezembro 2017

Como vai ser o reveillon dos gaúchos.


Quem quiser curtir shows de queima de fogos, no Rio Grande do Sul, terá que se contentar com poucas opções. Muitas cidades, por conta da falta de recursos financeiros, não terão festas com queima de fogos - Porto Alegre e Caxias do Sul são os principais exemplos. Já outros confirmaram festividades pela espera do ano novo. Confira como será a festa da virada em algumas cidades:
A festa da virada, dessa vez, não será na Usina.
Porto Alegre, cancelou (mais uma vez) a festa com queima de fogos, terá poucas opções em clubes mas, em compensação, terá queima de fogos no Parque Marinha do Brasil e passeios com barcos, organizado pelos clubes náuticos da capital.
Em Viamão, a festa será na Praia de Itapuã e começa as 23 horas.
Já em Gramado o show da virada começa às 22h30 na Rua Coberta com queima de fogos, além extensa programação unindo os festejos do Natal Luz.

Gramado une o show da virada ao Natal Luz
Em Torres, um dos pontos mais tradicionais do litoral, a festa será na Praia Grande e terá apresentações musicais nacionais e regionais, contagem regressiva e, claro, show de fogos.
Em Tramandaí, a festa terá DJs na beira da praia e ao contrário de 2017, quando a festa foi cancelada por falta de dinheiro, 2018 deve ser recebido com a tradicional queima de fogos.
A vizinha Imbé, terá queima de fogos na Barra e shows com Doce Desejo e Lili Fernandez & Bando. Mariluz, também em Imbé, terá shows de Só Balanço Show e Portal G3.
Capão da Canoa fará sua festa de Réveillon 2018 na Avenida Beira Mar com apresentação da Orquestra de Teutônia, Michel Teló, no dia 30, e Munhoz e Mariano no show da virada. 

Michel Teló estará em Capão da Canoa
Em Arroio do Sal, a festa será com o rock dos Acústicos e Valvulados e show pirotécnico na Praça do Mar. Certamente, um dos melhores dessa virada.

Acústicos e Valvulados fará um dos melhores shows da virada
No litoral sul, Rio Grande não terá queima de fogos mas a festa será animada com atrações locais e, como em anos anteriores, no Campo do Praião, Cassino.

É isso, pessoal, aproveitem a sua festa, beba moderadamente e um ótimo ano novo a todos.

28 dezembro 2017

Porto Alegre ganha mais um espaço cultural.



Porto Alegre acaba de ganhar mais um espaço cultural, é o antigo Instituto de Química está em fase final do processo de restauração e está se tornando o mais novo centro cultural de Porto Alegre. O “quindão”, como foi apelidado por conta da côr ocre,  foi praticamente reconstruído para abrigar o espaço cultural, que terá dois auditórios de capacidade para 250 pessoas cada, salas multiuso, espaços para exposições e shows, lanchonete e cafeteria. Segundo o superintendente de Infraestrutura da universidade, Edy Isaias Junior, as obras no imóvel já estão em fase final e já prevê a inauguração para breve: “Estamos nos últimos detalhes internos, como revestimentos, colocação do mobiliário e a instalação de elevadores”.

A cor externa foi definida pelos historiadores que acompanham o projeto, que tentaram se aproximar das referências originais, já que, na época da inauguração, não havia fotografias coloridas.  Iniciada há cerca de quatro anos, a restauração também revelou algumas surpresas durante sua execução, conta o superintendente. “Descobrimos pinturas antigas e janelas que estavam escondidas. Algumas foram restabelecidas”, conta Isaias, que projeta a conclusão dos trabalhos em três meses. O superintendente destaca também que o prédio recebeu estrutura de climatização e acessibilidade e estará aberto à comunidade para receber eventos culturais.
A inscrição Escola de Engenharia, que está até hoje na fachada, não é um erro ou acaso e remonta às origens do próprio instituto - o curso de Química Industrial foi criado em 1920 e estava ligado à Engenharia. Na década de 1920, o curso vira Instituto de Química Industrial, e, na década de 1950, Engenharia Química. O prédio abrigou aulas teóricas e práticas de diversos cursos da Escola de Engenharia, e até da Faculdade de Filosofia.

Vida longa ao Instituto.

05 dezembro 2017

Cinquenta anos do Teatro de Arena.


Foto de Ramiro Furquim / Sul 21

Jovens atores formados pelo Curso de Arte Dramática da UFRGS, sob a liderança de Jairo de Andrade, realizaram a façanha de fundar o Grupo de Teatro Independente em 1966 e de – cerca de dezoito meses após – inaugurar a sua casa própria: aquele que seria um dos mais importantes teatros do Brasil.

A ousadia empreendedora do GTI revelou-se desde o início com a montagem itinerante de “A Farsa da Esposa Perfeita”, de Edy Lima. Deslocando-se de trem em direção à fronteira oeste do Estado, o grupo se apresentava nas várias cidades ao longo da via férrea; talvez uma façanha inédita em nosso país. Além disso, em 1967 – antes de “O Santo Inquérito”, de Dias Gomes, que inaugurou o Arena no mês de outubro – o GTI realizou no Theatro São Pedro e no Teatro Álvaro Moreyra (antigo Equipe) as montagens: “Ratos e Homens”, de John Steinbeck; “Esperando Godot”, de Samuel Beckett; Soraya Posto 2, de Pedro Bloch; “Um Elefante no Caos”, de Millôr Fernandes e “Um Demorado Adeus”, de Tennessee Williams.

A partir da instalação em sua arena, o grupo passa a atuar em todas as etapas da produção cênica a partir de uma tríplice preocupação: profissional, estética e política. Atores contratados, experientes diretores importados, refletores adaptados e montados no próprio Teatro que funcionavam a contento, venda antecipada de ingressos nos diretórios acadêmicos, parceria com a Casa Louro e outras lojas: a correta busca pela profissionalização.

A dimensão estética é contemplada pelo cuidado com as encenações e a criteriosa seleção dos textos. Buscam-se atores experientes e exige-se dedicação plena de todos, dando-se oportunidade aos talentos surgidos nos cursos. O diálogo com críticos e jornalistas é permanente. A musicalização dos espetáculos é confiada a Flávio Oliveira – compositor, professor e intérprete premiado e com experiência internacional. Jairo de Andrade sempre se preocupou em dar as melhores condições possíveis aos diretores, mesmo que isso, algumas vezes, implicasse prejuízo financeiro. Também por causa da escassez de recursos, algumas montagens não atingiram o nível desejado, fazendo com que os ensaios continuassem mesmo após a estreia. Numa montagem emblemática como “Mockinpott”, de Peter Weiss, em 1975, o diretor europeu José Luiz Gómez (trazido numa parceria com o Goethe-Institut) realizava ensaios diários que duravam até quinze horas e chegou a adiar duas vezes a estreia. O resultado estético compensou.

O enfoque político – resistência contra o autoritarismo governamental e a censura à produção artística – estava expresso nos textos escolhidos, nos debates realizados, na identificação com o pensamento democrático e de esquerda, na aproximação com as entidades estudantis, na solidariedade aos artistas perseguidos. Na denúncia de ações ridículas e absurdas. Exemplo do sequestro de velhas e inúteis carcaças de mosquetões, legalmente emprestadas pela Brigada Militar para uso cenográfico na peça “Os Fuzis da Senhora Carrar”, de Bertolt Brecht – ação de militares do Exército que invadiram o Teatro de metralhadoras em punho.

Os princípios que embasavam o trabalho do grupo estão expressos na publicação Teatro em Revista, lançada em 1968. No editorial do primeiro número da Revista – que tinha o jornalista Marcelo Renato como redator e o próprio Jairo como diretor – afirma-se o entendimento de que profissionalismo teatral é “não só buscar a sobrevivência econômica dentro da atividade do palco, mas a seriedade, honestidade e continuação de um trabalho que pouco a pouco vá consolidando a confiança e atenção do público”. Também nesse número, um artigo de Augusto Boal demarcava a posição do GTI/Teatro de Arena. “Dentro da esquerda, toda discussão será válida sempre que sirva para apressar a derrota da reação. (...) Reação é o atual governo oligarca, americanófilo, pauperizador do povo e desnacionalizador das riquezas do país... (...) são também os artistas de teatro, cinema ou TV que se esquecem que a principal tarefa de todo cidadão, através da arte ou de qualquer outra ferramenta, é libertar o Brasil do seu atual estado de país economicamente ocupado e derrotar o invasor, o ‘inimigo do gênero humano’...” Contra o chamado teatro digestivo: “Por que são tantos os grupos teatrais que se dedicam ao teatro apodrecido, teatro de mentiras, corruptor? (...) O povo e sua temática estão aprioristicamente excluídos. (...) Nossos artistas se atrelam aos desejos mais imediatos da corte burguesa, da qual são servis palhaços, praticando um teatro de classe, i.é., um teatro da classe proprietária, da classe opressora. A consequência lógica é uma arte de opressão.”

Por isso o Arena montou Dias Gomes, Sartre, Nelson Rodrigues, Bertolt Brecht, Plínio Marcos, Ésquilo, Augusto Boal, Gianfrancesco Guarnieri, o premiado “Mockinpott”, Ivo Bender, Teatro Jornal, César Vieira... Para fazer um teatro instigante, provocador, inteligente. Priorizando a temática dos injustiçados e dos oprimidos. Priorizando a temática da resistência.

No final de 1971 entra em cena Marlise Saueressig e o Arena inicia uma nova fase. Excelente atriz, Marlise recebeu o prêmio revelação em 1973 e o Açorianos de melhor atriz em 1977. No Festival de Cinema de Gramado de 1979 conquistou o Kikito de melhor atriz por sua atuação em “Os Muckers”, de Jorge Bodansky e Wolf Gauer. Durante uma década, Marlise dedicou-se totalmente ao Teatro de Arena como atriz, produtora e professora de linguagem corporal. Ela e Jairo percorreram boa parte do Brasil ministrando cursos e apresentado espetáculos do repertório do Arena. Além disso, junto com Carlinhos Hartlieb, foi responsável pela realização das Rodas de Som, de significativa importância na renovação qualitativa da música urbana rio-grandense.

Contudo, o Teatro de Arena passou por momentos muito difíceis. Foi perseguido política e economicamente, acumulando dívidas que levaram ao seu fechamento em 1980. Desativado durante nove anos foi, por pressão do meio cultural, adquirido pelo Governo do Estado e amplamente reformado para voltar a funcionar como teatro.

Por tudo isso é significativo que, neste 2017 quando o Teatro de Arena completa 50 anos, seu palco receba a bela montagem de Senhora das Armas, uma revisão de Gil Collares para o famoso texto de Bertolt Brecht, mostrando o atualíssimo drama da juventude negra assassinada nas favelas de nosso país.

Para isso o Teatro de Arena foi criado. Para produzir arte de qualidade em sintonia com o seu tempo e com o seu povo!

“O Teatro de Arena foi um lugar onde as pessoas lutaram pelo que acreditaram e tentaram ser felizes. Hoje estamos tranquilos porque sabemos que, com tudo o que passou, o Arena jamais vai deixar de ser o que foi na nossa época: antes de tudo um teatro.”

- Hamilton Braga é professor, produtor cultural e um dos fundadores do Teatro de Arena - para o jornal Correio do Povo, de Porto Alegre, RS. 

Os Discocuecas - rock e humor no rádio.

Travi, Julio, Roncaferro e Badarok - 1983.


Em 1977, teve inicio Os Discocuecas, um programa de rádio que informava, mostrava a cultura da capital com muito deboche e rock and roll. Afinal, os caras eram da área. 

Tudo começou com Julio Fürst que, no seu programa da rádio Continental, encarnava o Mestre Julio, parodiando peças de comerciais e fazia sátiras de músicas e personagens da época. O sucesso foi instantâneo que, ele resolveu convidar os amigos Beto Roncaferro (Jorge Gilberto Dorsch), Gilberto “Bagual” Travi e Toninho Badarok (João Antônio Araújo) para assim, ampliar o time e levar a ideia para os palcos. Estava criado Os Discocuecas.

Com um humor afiado, eles aproveitam o lançamento de Love to Love you Baby, de Donna Summer, filme Embalos de Sábado à Noite, de John Badham, a novela global Dancin' Days (entre outros) e passam a zoar com tudo e todos. Embalados pela moda, elas lançam, em 1978, É Só Dançar e A Nonna Viu, uma versão de In the Navy, do Village People, cantada sobre a base sonora original.

Logo em seguida, Julio Fürst passa a trabalhar a estruturação de uma rádio jovem que, mais tarde, vai dar origem à Atlântida FM, da RBS. Aproveitando a "carta branca" do diretor Ruy Carlos Ostermann, estreia às 13h de domingo o Discocuecas em Curto-circuito, abrindo as jornadas esportivas da emissora e, durante uma hora, dedica-se ao deboche sem poupar nem os patrocinadores. Cerâmica Cordeiro,por exemplo, ganhou o slogan  “O barro que não tem cheiro”.
Eles criam a radionada esportiva (jornada é coisa de jornal, segundo eles) e formam uma equipe de esportes com diversos personagens sempre parodiando, informando, acompanham as partidas e deixam a bola picando para o humor. E sempre com musica (rock é claro).

Além do futebol, eles também transmitiam competições esportivas, como jogos de amarelinha, palitinho ou cinco-marias e corridas de aro de bicicleta.

O programa (e suas apresentações) tiveram grande exito e sucesso porém, com a saída de Ostermann da direção da rádio, o Discocuecas em Curto-circuito é cancelado. O grupo passa a se dedicar, então, a shows, gravando também alguns discos. Em meados de 1983, o programa volta ao ar, por um período, na Universal FM, nos sábados, das 19 às 20h. Torna-se, assim, o primeiro humorístico transmitido em frequência modulada no Rio Grande do Sul. Nos anos seguintes, de modo esporádico, a comicidade dos Discocuecas aparece na forma de quadros em programas como Gaúcha Fim de Semana e Gaúcha Hoje, na Rádio Gaúcha AM. O grupo despede-se em 1997, com a gravação do CD Metamorfose.

Volta e meia, Beto Roncaferro, João Antônio "Toninho Badarok" e "mestre" Julio Fürst lançam alguma insanidade e retomam os show - o quarto elemento, Gilberto "Bagual" Travi, morreu em 2011. 


Quer escutar as musicas dos caras? Confere... https://www.discogs.com/artist/1807848-Discocuecas

27 novembro 2017

Charles Manson e o fascínio que sua figura exerce.

Charles Milles Maddox, ou Charles Manson como ficou conhecido, foi o fundador e líder de uma seita pseudo religiosa que cometeu vários assassinatos nos anos 1960, entre eles o da atriz Sharon Tate (na época, grávida de oito meses de Roman Polanski, diretor de cinema). Preso e condenado à morte em 1971 (pena que acabou virando prisão perpétua), morreu cumprindo a mesma, em 19 de novembro de 2017 na Penitenciária Estadual de Corcoran. 
Mas, porque todo esse fascínio?
Filho abandonado de uma prostituta e um alcoólatra, Charles Milles Manson nasceu 1934, viveu quase toda a sua vida em reformatórios juvenis e quando atingiu a maioridade, saiu para a prisão, onde viveu até os 33 anos. Logo após sua soltura, criou uma comunidade alternativa - o início de sua seita - em um rancho perto de Los Angeles, chamado Spahn Ranch. Essa comunidade tinha o propósito de criar um método de vida, baseado em leituras ocultistas de satanismo, conectado com o cosmos, sem respeito à ordem e as leis, auto suficiente e, claro, com muita droga, principalmente, LSD. Ele chamava o grupo de "Família Manson". Esse grupo idolatrava as ideias de Manson e acreditavam que ele seria a reencarnação de Cristo. E assim passavam os dias - drogados, rezando pelo seu "salvador" e felizes. 
Mas, para manter o padrão de vida que gostavam, passaram a assaltar e roubar o que encontravam, principalmente, nos bairros de Los Angeles - locais de ricos e abastados. E drogados, passaram também a matar. Foi quando, a atriz Sharon Tate, esposa do cineasta Roman Polanski, foi assassinada pelo grupo de Manson, que invadiu a casa do casal em Bel Air. Tate estava grávida de 8 meses, e mesmo assim foi esfaqueada, espancada e torturada até a morte - chegaram a usar seu sangue para escrever mensagens nas paredes ("porcos", "morte aos porcos" e "helter skelter").
E foi aí que ele e sua "família" se tornaram conhecidos. Quanto mais se aprofundavam nas informações sobre os porques de tantos crimes mais aterrorizavam a todos. 
E desde então, as obras mostrando (e tentando explicar) esses crimes não pararam mais de ser aparecer na mídia. Produzidas pelo cinema, tv, teatro e, até, pela música, mostram de diversas formas os crimes do grupo - Além das muitas músicas, escritos e poesias criadas pelo assassino.
Em 2015, a série Aquarius: Os Crimes de Charles Manson, resolveu tentar dissecar a "família Manson" e os assassinatos cometidos década de 1960. Gethin Anthony, o Renly Baratheon de Game of Thrones, vive o criminoso no drama da NBC, que ainda conta com David Duchovny (Arquivo X, Californication) e Grey Damon (Percy Jackson e o Mar de Monstros no elenco.

Antes, em 2003, Jim Van Bebber dirigiu The Manson Family,  que teve Marcelo Games no papel do infame psicopata. O filme mostra as mudanças da Família Manson que, de um grupo de hippies e seu amor livre, mudaram para algo o terror que praticavam. 

Em 1989, o documentário Charles Manson Superstar, dirigido por Nikolas Schreck, foi lançado foi quase todo rodado dentro da Prisão de San Quentin, onde Manson cumpriu parte da pena.

O documentário Helter Skelter foi dirigido por Tom Gries, foi baseado no livro de mesmo nome  e retrata o julgamento de Charles Manson após os assassinatos de Tate-LaBianca.

Já The Six Degrees of Helter Skelter, de 2009 (dirigido e apresentado por Scott Michaels) mostra mais de 40 locações relacionadas aos vários assassinatos, como a casa em que Mason passou os últimos dias de liberdade - antes de ser preso, claro.

The Other Side of Madness - ou The Helter Skelter Murders, como ficou conhecido - mistura documentário e as imagens sobre os assassinatos com cenas fictícias dirigidas por Frank Howard.

Além desses, temos ainda outros de menor importância, obras ficcionais e documentários, peças de teatro e, até mesmo, músicas. Nine Inch Nails, Neil Young, Ozzy Osbourne, System of a Down, Ramones, Sonic Youth, Kasabian e até Beatles fizeram referência ao criminoso em alguma obra. Mas, nada se compara a Marilyn Manson, que não só o idolatra em algumas músicas, como também, o reverencia com o seu nome artístico (se é que se pode dizer assim) e, o pior caso (para mim), Guns N' Roses, que comprou os direitos e chegou a gravar Look at Your Game, Girl, escrita pelo criminoso em 1967.

Logo após ser preso, em 1971.
Seus crimes, modo de vida, sua história (por assim dizer) deram origem ao livro Helter Skelter, título inspirado na música dos Beatlesonde Manson alegava ter descodificado mensagens que levaram aos crimes de homicídio

19 novembro 2017

Morreu Malcolm Young, líder e fundador da banda AC/DC.

Malcolm em 2014.
Quando se pensa em hard rock a primeira lembrança é AC/DC e quando se pensa na banda, lembramos primeiro do seu guitarrista-símbolo. Mas, Malcolm Young não solava ou simbolizava o grupo, ele era muito mais que isso tanto que, era chamado de ‘arquiteto’, pois tudo passava por ele.

Ele foi o líder da banda, seu guitarrista-base, letrista, arranjador (até dos vocais), produtor, criava os rifs e dava dicas nos solos do irmão mais famoso. Simples-mente, não se importava em ser a estrela, ficava mais atrás, fazendo as bases da melodia, para que os solos da guitarra de Angus e os vocais de Bon Scott ou Brian Johnson brilhassem.

Em 2014, ele foi diagnosticado com demência (uma série de doenças que levam à perda das capacidades intelectuais e debilitam todo o sistema nervoso). Mas, vale lembrar que, o músico já havia se afastado por problemas com álcool e, em outubro passado,
logo após a morte de George (irmão mais velho e produtor da banda), se noticiou que ele estava com problemas pulmonares e cardíacos.
Malcolm, Bon Scott, Angus, Cliff Williams e Phil Rudd, em 1979. 
Malcolm Young nasceu em Glasgow, na Escócia, no dia 06 de janeiro de 1953 e, aos dez anos, mudou-se (com a família) para Sidney, na Austrália. Dez anos depois, em 1973, nascia o AC/DC e tinha como principal característica os solos de Angus e a voz marcante de Bon mas, sempre com a liderança e a sólida base rítmica de Malcolm. Apesar das várias mudanças que a banda sofreu, a sua formação se estabilizou com os irmãos Malcolm e Angus nas guitarras, o baixista Cliff Williams, o baterista Phil Rudd e o vocalista Bon Scott. Com a morte de Scott, em 1980, o escocês Brian Johnson assumiu os vocais seguindo a mesma linha que tanto sucesso fez. Essa linha, foi desenvolvida por Malcolm e George Young, o irmão mais velho que havia sido guitarrista dos Easybeats, uma banda pop dos anos 60 e foi o produtor dos primeiros discos do quinteto. Mas o sucesso só chegou quando eles passaram a trabalhar com John “Mutt” Lange, o produtor sul-africano que desenvolveu a sonoridade mais agressiva do AC/DC.
Guitarrista-base e vocal de apoio, esse era o papel de Malcolm.

Em 2014, ele se afastou da música (diagnosticado com demência) ficando de fora do último álbum do grupo,’Rock or Bust’, quando foi substituído pelo sobrinho Steve Young.

Segundo o comunicado da banda, ele "morreu tranquilamente com sua família ao seu lado" e deixa deixa a esposaLinda, os filhos Cara e Ross, três netos, uma irmã e o irmão Angus Young.
Sem Malcolm e George, Angus é o único dos irmãos Young vivo.
A família pediu que, em vez de flores, quem quiser homenagear Malcolm, façam doações para o Exército da Salvação.

16 novembro 2017

Feira do Livro de Porto Alegre, uma anciã de 62 anos!!!

A primeira Feira do Livro, em 1955.

A primeira edição da Feira do Livro de Porto Alegre foi inaugurada em 16 de novembro de 1955 pelo seu idealizador, o jornalista Say Marques, diretor do Diário de Notícias que, inspirado numa feira que visitara na Cinelândia (Rio de Janeiro), reuniu livreiros e editores da cidade e criaram uma das feiras literárias mais antigas do país e uma das maiores da América do Sul.



O objetivo era melhorar as vendas das editoras daqui e popularizar o livro. Na época, livros, livrarias e editoras eram consideradas coisas da elite. Resolveram, então, criar uma feira, onde se pudesse mostrar os lançamentos, dar descontos e, na medida do possível, unir escritores e leitores na praça. Tanto que, o lema da primeira foi: Se o povo não vem à livraria, vamos levar a livraria ao povo. E assim, a praça da Alfandega, um dos locais mais movimentados da capital recebeu a primeira edição - na época, contava com apenas 14 expositores, em bancas montadas pelos carpinteiros da Livraria e Editora Globo.


Na segunda edição do evento, iniciaram as sessões de autógrafos. Na terceira, passaram a ser vendidas coleções pelo sistema de crediário. Nos anos 70, a Feira assumiu o status de evento popular, com o início da programação cultural. A partir de 1980, foi admitida a venda de livros usados.


Foi nos anos 90 que a Feira ampliou-se, obrigando aos seus visitantes algumas voltas a mais, com um número maior de barracas e usos de novos espaços, incorporando a suas atividades encontros com autores, além dos tradicionais autógrafos. Em 94, algumas alamedas ganham coberturas, pois é histórica a relação da Feira com a chuva. No ano seguinte, 95, passa por uma processo de profissionalização, buscando o apoio decisivo das Leis de incentivo à Cultura e, também, criando um espaço para os novos leitores, crianças, jovens e adultos em fase de alfabetização. A Feira acompanha a transformação e internacionalização da cidade de Porto Alegre, que passa a receber grandes festivais e exposições (como o Porto Alegre em Cena e a Bienal do Mercosul).

No inicio dos anos 2000, a partir de conquistas na área do patrimônio e criação de novos centros culturais no entorno da Praça da Alfândega (como o Santander Cultural, o Centro Cultural CEEE Erico Verissimo, além dos já existentes Margs e Memorial do RS), a programação cultural da Feira do Livro cresce em número de autores participantes e público visitante.
Desde 1965, a Feira mantém a tradição de eleger um patrono para cada edição. A escolha é feita pelos associados da Câmara Rio-Grandense do Livro e outros representantes da cultura do estado. Alcides Maya foi o primeiro e Valesca de Assis a atual. Mas, a lista é grande, confira em 
https://pt.wikipedia.org/wiki/Lista_de_patronos_da_Feira_do_Livro_de_Porto_Alegre

09 novembro 2017

‘O Diário de Anne Frank’ ganha versão em HQ e animação

Um diário pessoal, de uma menina de 13 anos, mostrou ao mundo como os nazistas caçavam, enjaulavam e matavam os judeus. E 75 anos após o fim da grande guerra ele continua marcando.

O Diário de Anne Frank mostra o dia a dia de uma família durante os primeiros anos da ocupação nazista e o risco de morte que isso trazia. A menina e seus familiares sobreviveram, escondidos, por exatos 743 dias no anexo de um apartamento em Amsterdã - a capital holandesa havia sido ocupada pelo exército alemão. Publicado há sete décadas, o Diário tornou-se um clássico mundial e o maior sobre o holocausto, chegando à marca de 50 milhões de cópias vendidas. E já foi mostrado de diversas formas: cinema, tv, teatro e outras formas.
Pois agora, o documento escrito por Anne Frank ganha duas novas versões e com uma leitura mais aberta às novas gerações. Os quadrinhos.

O Diretor de cinema e roteirista Ari Folman e o desenhista David Polonsky criadores de A Valsa de Bashir (aclamada animação vencedora do Globo de Ouro de filme estrangeiro e indicada ao Oscar, em 2009) lançam O Diário de Anne Frank em quadrinhos e preparam uma versão para o cinema. A adaptação para os quadrinhos está sendo publicada em mais de 50 países e foi apresentada em Paris. 
Converter o livro para graphic novel exigiu dos autores um brutal esforço de concisão. Se fosse transposto na íntegra, a obra em quadrinhos teria 3,5 mil páginas. O diário gráfico foi, então, sintetizado e adaptado por Folman. Sua maior riqueza em relação ao texto original talvez seja o fato de ter sido imaginado e traduzido para os quadrinhos pelos traços de Polonsky, exatamente como foi escrito o original escrito por Anne Frank até sua morte, no campo de concentração de Bergen-Belsen, em março de 1945.
A adaptação mostra a incompreensão e angústia do início da perseguição e também as dúvidas e sonhos (com pitadas de humor, típico da adolescência). 
“À noite, costumo ver longas filas de gente boa e inocente com crianças chorando, andando sem parar até quase caírem. Ninguém é poupado. Doentes, velhos, crianças, bebês, todos são forçados a marchar em direção à morte”, escreve Anne Frank, no original e mantido pelos idealizadores. As ilustração trazem rostos magros, olhos tristes  e mãos ao alto que falam por si. Cheias de medo, como foi de fato.
Em Paris, durante a apresentação, os autores comentaram sobre o desafio de trazer o texto para as novas gerações, usando para tanto, uma linguagem mais atual e marcante. Folman lembrou, ainda, do impacto da leitura do Diário de Anne Frank quando se é adulto, e disse ter imaginado um livro voltado para crianças e adolescentes. “Um jovem não consegue apreciar o valor literário do livro como um adulto”, lembra Polonsky. Por isso, os autores frisaram, na adaptação aos quadrinhos, os temas que atravessam o imaginário dos jovens. “Quando se é adulto, lê-se o diário sob o prisma de uma adolescente falando de você, adulto. Quando se lê ainda garoto se tem outra perspectiva”, explicou Folman. “Adolescentes e crianças, em especial meninas, vão encontrar o que eles precisam no diário original: a relação com a mãe, com outras crianças, o amadurecimento sexual.”
Isso não significa, porém, que a versão em quadrinhos seja infantilizada demais ou tenha perdido seu caráter político. O contexto opressor da guerra é onipresente. Em um deles, a família aparece adormecida em torno da mesa de jantar, e no texto se lê: “Querido Kitty, o número de ataques aéreos britânicos cresce a cada dia. O Hotel Carlton foi destruído. Aviões ingleses carregados de bombas incendiárias caíram bem em cima do Clube dos Oficiais Alemães. Não temos uma boa noite de descanso há séculos”, conta Anne em quadrinho ilustrado com a cidade em chamas.
O diário gráfico e a versão para o cinema tem a missão a de ajudar a eternizar a história do holocausto entre novas gerações.

03 novembro 2017

Halloween, o Dia dos Mortos e o que Orson Welles tem a ver com isso.

Mundialmente conhecido como Halloween, aqui no Brasil e em outros países latinos é chamado de Dia das Bruxas. Nessa data (feriado em alguns países, inclusive) tem-se o hábito de assustar as pessoas, ir de porta em porta pedindo guloseimas, enfeitar as casas com símbolos "assustadores" e participar de festas a fantasia vêm se tornando mais comuns. Mas, de onde vem essa cultura?


A origem desses costumes tem muito pouco a ver com o significado que essa festa popular adquiriu com o passar do tempo. O Halloween tem suas raízes na cultura européia, mais precisamente no Reino Unido e não na cultura americana, como muitos pensam. Seu nome deriva de "All Hallows Eve". Os ingleses usavam os termos da cultura celtas "Hallow"  e "eve" que, na lingu-agem antiga queria dizer "santo" e "véspera". Ou seja, fazia referência, até o século 16, à véspera (noite anterior) ao Dia de Todos os Santos, celebrado em 1º de novembro.

Além da explicação etimológica, a cultura religiosa-pagã tem outra origem para o Halloween moderno. E bem diferente.

Durante o século 17 acontecia um festival pagão que fazia referência a origem do Halloween: o festival celta de Samhain ou simplesmente,  "fim do verão".

O Samhain durava três dias, começando em 31 de outubro e era uma homenagem ao "Rei dos Mortos". O ritual do Samhain era marcado pela fogueira e celebrava a abundância de comida após a época de colheita. Porém, sua comemoração, linguagem e simbologia mudavam conforme a região.

Galeses celebravam o seu "Calan Gaeaf", assim irlandeses e escoceses também tinham o seu Samhain.


O Dia das Bruxas como conhecemos hoje, tomou forma por volta do século XV, quando fogueiras tornaram-se populares a partir do Halloween. Elas eram usadas na queima do joio (que celebrava o fim da colheita no Samhain), como símbolo do rumo a ser seguido pelas almas cristãs no purgatório ou para repelir a bruxaria e, principalmente, a peste negra.

Outro costume de halloween era o de prever o futuro - previa-se a data da morte de uma pessoa ou o nome de seu futuro marido ou mulher. Existia até escritos, como o poema do escocês Robert Burns que descreve as formas pelas quais se podia descobrir quem seria seu grande amor.

Alguns dos rituais de adivinhação são usados até hoje, nas festas, como, por exemplo, "pescar" maçãs numa tina com água, com a boca, e adivinhar as iniciais, "ler" cascas de noz ou olhar um espelho e pedir ao diabo para revelar a face da pessoa amada.

Durante o festival, na Europa, as igrejas badalavam seus sinos por toda a noite. Uma prática tão incômoda que fez o rei Henrique 3º e a rainha Elizabeth tentaram proibi-la, mas não conseguiram. 

E a festa chegou à América... 

Durante o período conhecido na Irlanda como a "Grande Fome" mais de um milhão de pessoas imigraram para os EUA, levando as suas tradições. Não por acaso, as primeiras referências ao halloween, na América, aparecem pouco depois disso. 

A princípio, as tradições do Dia das Bruxas nos Estados Unidos uniam brincadei-ras comuns no Reino Unido rural com rituais de colheita americanos. As maçãs usadas para prever o futuro pelos britânicos viraram cidra, servida junto com rosquinhas, ou doughnuts em inglês. O milho era uma cultura importante da agricultura americana - e acabou entrando com tudo na simbologia caracterís-tica do Halloween americano. Tanto que, no início do século 20, espantalhos - de colheitas de milho - eram muito usados em decorações do Dia das Bruxas.

Foi nos EUA também que a abóbora passou a ser sinônimo de halloween. No Reino Unido, o legume mais "entalhado" ou esculpido era o turnip, um tipo de nabo. Uma lenda sobre um ferreiro chamado Jack que conseguiu enganar o dia-bo e vagava como um morto-vivo deu origem às abóboras iluminadas que se tornaram o principal símbolo do halloween americano.

Já a tradição de "doces ou travessuras" é bem americana. Na Europa medieval pedia-se repolhos, nos EUA doces, a partir dos anos 1920.

Mas, as brincadeiras podiam ficar violentas, como ocorreu durante a Grande Depressão, e se popularizaram de vez após a 2ª Guerra Mundial, quando o racionamento de alimentos acabou e doces podiam ser comprados facilmente.

Mas o que Orson Welles tem a ver com o halloween?

Wells durante a transmissão de Guerra dos Mundos
A tradição mais popular do Halloween (fantasias e sustos) veio após a trans-missão da adaptação do livro Guerra dos Mundos, do escritor inglês H.G. Wells, que gerou uma grande confusão quando foi ao ar, em 30 de outubro de 1938. Ao conclui-la, o ator e diretor americano Orson Welles deixou de lado seu personagem para dizer aos ouvintes que tudo não passava de uma pegadinha de Halloween e comparou seu papel ao ato de se vestir com um lençol para imitar um fantasma e dar um susto nas pessoas.

Hoje, o Halloween é o maior feriado não cristão dos Estados Unidos. Em 2010, superou tanto o Dia dos Namorados quanto a Páscoa como a data em que mais se vendem chocolates e, com o passar dos anos, foi "exportado" para outros países, entre eles o Brasil. Por aqui, desde 2003, também se celebra neste mesma data o Dia do Saci, fruto de um projeto de lei que busca resgatar figuras do folclore brasileiro, em contraposição ao Dia das Bruxas.


Feliz Dia das Bruxas... ou Halloween, como preferir.

02 novembro 2017

Dia dos Mortos, um evento cultural.

Algumas culturas ao redor do mundo têm suas particularidades e tradições a respeito do dia dos mortos, a data para visitar as sepulturas dos entes queridos. Em muitas, estas tradições se transformam em festas com comidas e bebidas. E muitos podem pensar que é a data é apenas uma cultura mexicana mas não, ela é mundial. Unesco, inclusive, declarou a data como Património Imaterial da Humanidade.
Diferenças sociais não significam nada, diante da morte.
Mas, como começou isso?

No México, o dia dos mortos é uma celebração de origem indígena, que honra os falecidos no dia 2 de novembro. Começa no dia 31 de outubro e coincide com as tradições católicas do Dia dos Fiéis Defuntos e o Dia de Todos os Santos. Além do México, também é celebrada em outros países da América Central e em algumas regiões dos Estados Unidos, onde os mexicanos se estabeleceram e são anteriores à chegada dos espanhóis. Astecas, maias e outros povos já praticavam o culto.

Nos Eua e em países sul-americanos não é diferente, principalmente nos locais de forte concentração de mexicanos, como Arizona, Novo México, Texas, Califórnia e outros.

Europa - O Dia dos Mortos, copiando a festa mexicana, se espalhou também pela Europa. Em muitos países de ascendência católica (Espanha e Portugal, por exemplo) o Dia de Todos os Santos e o Dia dos Fiéis Defuntos são feriados para que se possa visitar os cemitérios com velas e flores mas, também, para presentear as crianças com doces e brinquedos assim, celebrando a vida.

Em alguns países, como Polônia, Croácia, Suécia e outros, a tradição é acender velas e visitar os túmulos dos parentes falecidos, velando-os novamente. Na região do Tirol (Austria e Alemanha) deixam as salas das casas mais quentes, ornamenta-as e deixam bolos sobre as mesas, tudo para o conforto dos mortos. Na Bretanha, as pessoas vão aos cemitérios ao anoitecer para ajoelharem-se perante as lápides de seus entes queridos e ungirem-nas com água benta ou fazerem libações de leite nela. Na hora de deitar, o jantar é deixado na mesa para as almas.

Ásia - Nas Filipinas e outros países também católicos, o feriado chamado Araw ng mga Patay (Dia dos Mortos), Todos los Santos ou Undas (os últimos dois devido aos fato de serem celebrados em 1 de novembro), tem uma atmosfera mais de reunião familiar. As tumbas são limpas ou repintadas, velas são acesas e flores são oferecidas. Famílias inteiras acampam em cemitérios, e às vezes passam uma noite ou duas junto às tumbas de seus parentes. Jogos de cartas, comidas, bebidas, cantos e danças são atividades comuns no cemitério. É um feriado de muita importância para os filipinos (depois do Natal e da Semana Santa), e dias de folga são normalmente adicionados ao feriado, mas apenas o dia 1º é considerado um feriado regular.

Além de todo o movimento cultural, festas e, claro, a reverência que a data merece, a Unesco distinguiu a festividade indígena como Obra Mestra do Patrimônio Oral e Intangível da Humanidade declarando "...uma das representações mais relevantes do patrimônio vivo do México e do mundo, e como uma das expressões culturais mais antigas e de maior força entre os grupos indígenas..." e "...embora a tradição não esteja formalmente ameaçada, sua dimensão estética e cultural deve ser preservada do crescente número de expressões não indígenas e de caráter comercial que tendem a afetar seu conteúdo imaterial". Excelente iniciativa... lembrando da importância da cultura.

18 outubro 2016

Chuck Berry aos 90 anos anuncia novo cd, todo dedicado à mulher com quem vive há 68 anos.
Ícone e um dos pioneiros do rock, Chuck Berry, anunciou o lançamento de seu primeiro álbum desde 1979, no dia em que comemora seus 90 anos - O disco "Chuck" sairá em 2017, pela Dualtone Records, com músicas novas escritas, gravadas e produzidas pelo músico.
Chuck, novo trabalho de Chuck Berry
Em um comunicado citado pela revista "Rolling Stone", Berry explica que o novo trabalho é dedicado à sua mulher Themetta Berry, com quem é casado há 68 anos. "Minha querida, eu estou ficando velho. Eu trabalhei neste álbum durante muito tempo. Agora eu posso pendurar meus sapatos", diz o texto.
De acordo com a publicação, o artista gravou o álbum com sua banda de apoio, que inclui seus filhos Charles Berry Jr. (guitarra) e Ingrid Berry (gaita), além do baixista Jimmy Marsala, que tocou com Berry durante 40 anos, o pianista Robert Lohr e o baterista Keith Robinson. Seu último disco foi "Rock it".
Charles Edward Anderson Berry nasceu a 18 de outubro de 1926 em St. Louise, Missouri. Cedo se iniciou na música, participando de corais evangélicos, influenciado pelo pai pastor protestante. Curiosamente apenas em 1940 Berry teve seu primeiro contato com uma guitarra, pouco antes de passar uma temporada em um reformatório juvenil por furto. Após sair do reformatório Berry havia se desinteressado da música, trabalhou alguns anos em uma fábrica de automóveis e por pouco não se tornou cabeleireiro profissional. Apenas em 1946 voltou a tocar.
Em 1952 tocava profissionalmente em uma banda de estilo blues-country. A medida que o guitarrista se destacava como atração principal dos palcos onde tocava o nome do grupo foi mudado para Chuck Berry Combo. Participavam da banda Johnnie Johnson (homenageado em "Johnny B. Goode") e Eddie Hardy (baterista).
O destino sorriu para Berry na figura de Muddy Waters, antigo ídolo e sua principal influência. Waters recomendou a Berry que procurasse a Chess Records para gravar um single. Com o apadrinhamento de Muddy, poucas semanas depois Chuck Berry Gravou (com Willie Dixon no piano) duas músicas. Ida May (pouco mais tarde regravada como Maybellene) e Wee Wee Hours.
O single chegou ao número 5 nos Estados Unidos. Era o começo do sucesso. Menos de um ano após, Berry já vendia mais que todo o staff da gravadora Chess. Os maiores sucessos de Berry vem deste início de carreira, músicas como Johnny B. Goode, School Day's (fartamente coverizada até hoje), Roll Over Beethoven, entre outras. Berry era um dos poucos astros do rock de então que podia se vangloriar de tocar a maioria das músicas de sua autoria.
Boa parte do sucesso se deveu à incrível presença de palco. Mais do que cantar Berry tocava guitarra como um demônio, gesticulando, correndo e fazendo o seu clássico "duck-walk". Era mais do que um cantor, músico ou poeta. Chuck Berry foi o primeiro artista de rock completo.
No início da década, com sua vendagem em declínio, embora mantendo a mesma energia e qualidade, Chuck Berry foi levado a juri, condenado e preso por sedução de menores. Condenado a 3 anos de cadeia, parecia ser um triste fim para sua carreira, o que não ocorreu. Bandas claramente inspiradas por Berry, como Beatles e Rolling Stones despontavam, gravando covers do ídolo e mantendo a chama acesa.
No início da década de 70, após um longo período longe dos palcos e imprensa Berry fez sua volta triunfal, com shows por toda a América e Europa, voltando às paradas com o single My Ding a'Ling, embora obviamente nunca tenha alcançado novamente o sucesso da década de 50.
Em 1990 Berry foi novamente preso sobre acusação de ter instalado uma micro-câmera no banheiro feminino de seu restaurante. Em uma batida realizada em sua casa foram achados, além dos vídeos, drogas e armas.
Embora muitos artistas tenham gravado rock n' roll antes dele, Chuck Berry é considerado o pai do mesmo por ter acrescentado à música a sua atitude. Mais do que tocar rock Chuck Berry criou um estilo com suas letras e presença de palco que viriam a ser influência de todos dali para frente. Sua letras são simples e falam do cotidiano de seus ouvintes, garotas, carros e conflitos de geração; foi o primeiro compositor de rock a pregar o amor como diversão e sem maiores compromissos.

24 janeiro 2016

Engraçado ou estranho???

A maior rede de informação do sul faz uma matéria dizendo que o rock gaúcho está morrendo. Mas, a mesma rede não dá uma linha, nos seus jornais ou, um minuto nas suas tvs e rádios a favor do rock do sul. Queria o que, então?

O rock gaúcho vive sim e muito forte. Mas, a tal rbs poderia ajudar um pouquinho que fosse...

E tu, o que acha?

http://zh.clicrbs.com.br/rs/entretenimento/noticia/2016/01/por-que-o-rock-gaucho-sumiu-do-mapa-4957885.html

29 abril 2014

Sala Sinfônica da OSPA: Secretaria da Cultura anuncia início da superestrutura

Fundada em 1950, a OSPA - Orquestra Sinfônica de Porto Alegre jamais teve sede própria e, claro, a necessidade de possuir ambientes compatíveis com os projetos que desenvolve levou a Fundação Orquestra Sinfônica de Porto Alegre (Fospa) a buscar a edificação de uma sala própria, com áreas complementares para abrigar os arquivos musicais e demais atividades de apoio aos seus projetos. Para tanto, em 2004, foi criada a Fundação Cultural Pablo Komlós e terá, também, sala de concertos, museu da música, salas de ensaio, escola de música e sede administrativa.
Mas, quem pensa foi fácil a empreitada, muito se engana - nada, em se tratando de cultura o é. Começou então, em 2008, com a prefeitura de Porto Alegre cedendo o terreno para a construção e em 2012 as obras começaram. As fundações duas primeiras etapas da construção (estaqueamento e construção de blocos de concreto para apoio dos pilares), foram financiadas por meio da Lei Federal de Incentivo à Cultura, com patrocínio de Banrisul, Souza Cruz, Vonpar, Lojas Renner, SulGás, Randon, Celulose Irani e Habitasul, e apoio de STIHL, BarraShopping, Marcopolo, Pactum e CIEE, através da Fundação Cultural Pablo Komlós. Através de uma proposta de emenda ao orçamento da União feita pela bancada federal gaúcha, o Ministério da Cultura e o Governo do Estado firmaram convênio que definiu a liberação de cerca de R$ 19 milhões pelo ministério e a contrapartida do estado no valor aproximado de R$ 5 milhões. Este convênio custeará a execução da supraestrutura do prédio. E a última etapa da obra foi concretizada através de contrato assinado com a construtora Cisal correspondendo a um investimento de R$ 22.336 milhões, resultado de convênio entre o Ministério da Cultura e o Governo do Estado.
Acima, localização da sede, na Avenida Loureiro da Silva, nº 165, no Parque Maurício Sirotsky Sobrinho. 
Então, aguardemos a inauguração da obra afinal, os amantes da música clássica merecem.

05 abril 2014

Prefeitura de Porto Alegre apresenta restauração do antigo Cine Capitólio.

O prefeito José Fortunati, o secretário municipal da Cultura, Roque Jacoby, o presidente da Fundacine, João Guilherme Barone, e representantes do Ministério da Cultura (Minc) apresentaram na manhã desta sexta-feira, 4, o restauro do prédio do antigo Cine Capitólio, que vai abrigar a Cinemateca Capitólio. A solenidade foi realizada na sala de cinema do prédio, que é patrimônio histórico do estado. As obras tiveram início em 2004 e o investimento foi de R$ 6.753.865,80.
O titular da Secretaria Municipal da Cultura destacou a soma de esforços para que a restauração do local se tornasse realidade. “Foi um desafio enorme e não teríamos sucesso se não fosse o apoio de todos. A prefeitura e o governo federal investiram recursos e dedicação para que essa obra fosse possível. Tivemos diversas dificuldades, pois é um prédio especial, tombado, com muitas peculiaridades e a estrutura que uma cinemateca exige também tem suas especificidades”, afirmou Roque Jacoby.
Com a reforma concluída, o prédio está recebendo mobiliário, equipamentos de projeção e estão sendo realizadas as adequações da obra à nova legislação de prevenção contra incêndios. Assim que o Plano de Prevenção Contra Incêndio (PPCI) estiver completamente implementado, a cinemateca será aberta ao público.
O local será um centro de referência para pesquisadores da área, com acervo para preservar a memória do cinema gaúcho, constituído por filmes, cartazes, fotografias, livros, roteiros originais, entre outros. Contará ainda com sala de cinema, biblioteca especializada, um café, área de exposição e sala multiuso para grupos de estudos. “Há uma grande preocupação da cidade com a memória deste prédio, que teve um papel muito importante na história do cinema gaúcho e para os gaúchos. O Capitólio sempre foi conhecido pela programação intensa e diferenciada, então não existe local mais adequado para instalar essa cinemateca. Estamos muito orgulhosos de poder oferecer esse espaço tão qualificado para o público”, disse o prefeito José Fortunati.
Também foi descerrada a placa alusiva aos patrocinadores da obra de restauro do prédio, que nesta etapa foram o Ministério da Cultura, a Prefeitura de Porto Alegre, a Petrobras e o Banco Nacional de Desenvolvimento Econômico e Social (BNDES). “A Cinemateca Capitólio vai valorizar toda essa região da cidade, já conhecida pela intensa atividade cultural e concentração de artistas”, projetou a representante do Minc na região Sul, Margarete Moraes.
Cine Capitólio – Era um antigo cinema de rua. O prédio na esquina da avenida Borges de Medeiros com a rua Demétrio Ribeiro foi adquirido pela Prefeitura de Porto Alegre em 1994, e tombado pelo Município no ano seguinte.
Ao ser restaurado, o local teve que passar por toda uma adaptação especial, com instalação de equipamentos como gerador de energia próprio e sofisticado sistema de refrigeração, pois o acervo de filmes exige controle diferenciado de temperaturas. “Não estamos apenas inaugurando um cinema. Nós estamos instalando aqui uma cinemateca. Poucas cidades brasileiras possuem um local desses e nenhum é como a Cinemateca Capitólio. Realmente é um espaço diferenciado e qualificado”, declarou o presidente da Fundacine, João Guilherme Barone.
O custo da obra foi dividido entre os patrocinadores. Petrobrás investiu R$ 4,1 milhões, o BNDES repassou R$ 1,11 milhão, o Ministério da Cultura entrou com R$ 800 mil e a PMPA com outros R$ 743 mil.

25 fevereiro 2014

Morreu Harold Ramis


O ator, diretor e roteirista Harold Ramis morreu aos 69 anos em Chicago, nos EUA, nesta segunda-feira (24), em decorrência de um tipo raro de vasculite autoimune, que provoca o inchaço de vasos sanguíneos. Sua mulher, Erica Ramis, comentou que ele lutava contra a doença desde 2010.


Com currículo impressionante, trabalhando em todas as áreas do cinema,  Ramis ainda dirigiu e coescreveu "Feitiço do tempo" (1993), pelo qual ganhou um BAFTA de melhor roteiro original, "Clube dos pilantras" (1980), "Férias frustradas" (1983), "Máfia no divã" (1999), "Máfia volta ao divã" (2002), "Os caça-fantasmas 2" (1989), "Recrutas da pesada" (1981) e "Presente de grego" (1987), "Eu, Minha Mulher e Minhas Cópias" e "Ano Um" seu último filme. Também fez papéis menores em "Ligeiramente grávidos" (2007)  e "Melhor é impossível" (1997). Também escreveu programas da série de TV "Os caça-fantasmas" e dirigiu episódios de "The office" e roteirizou "O clube dos cafajestes", de 1978.

Nascido em Chicago, Ramis começou a trabalhar com comédia na faculdade, onde escreveu paródias de peças teatrais. Em seguida passou a se envolver com com produções independentes para TV e com o grupo Second City, de onde saíriam John Belushi e Bill Murray.



O ator Billy Crystal escreveu em seu perfil no Twitter: "triste por ouvir que meu amigo Harold Ramis morreu. Um ator e diretor brilhante e engraçado. Um marido e pai maravilhoso. Grande perda para nós todos".
Seth MacFarlane declarou: "Harold Ramis foi um exemplo brilhante para todo roteirista de comédia que espera alcançar excelência neste campo". A atriz Julianne Moore escreveu: "Muito triste em ouvir que perdemos Harold Ramis. Excepcionalmente talentoso, excepcionalmente bondoso."

14 fevereiro 2014

Poeta Luiz de Miranda é indicado ao Nobel pelo 2º ano consecutivo.

O poeta Luiz de Miranda acaba de ser indicado ao prêmio Nobel de Literatura pelo segundo ano consecutivo. Desta vez, quem assina o documento são as Faculdades QI, com 19 unidades e 900 colaboradores no
Rio Grande do Sul. O poeta, já publicou 4.012 páginas de poesia por editoras comerciais, um recorde mundial, visto que Pablo Neruda lançou 2.080, e Ezra Pound, um pouco mais de 700. Além disso, Luiz de Miranda publicou 31 volumes de poemas, contabilizando 35 livros.
Participou de 25 antologias, mereceu 29 prêmios, sendo 13 Prêmios no Exterior: 4 (USA), 2 (França), 1 (Itália), 2 (Panamá), 2 (Paraguai), 2 (Argentina). Considerado um dos maiores poetas do mundo, como se lê:
"Luiz de Miranda, com Cantos de Sesmaria, canta sua terra, e faz dela um canto universal, tornando-se um dos maiores poetas do mundo" Paris, 2003, José Augusto Seabra, considerado a maior autoridade no mundo em
Fernando Pessoa, ex-Ministro da Educação de Portugal.
"Miranda é o grande poeta épico que transforma o eu pessoal em coletivo, a voz individual na voz de um povo.
Dá prosseguimento ao que fez Rubén Darío, seguido por Gabriela Mistral e Pablo Neruda. É uma voz única na América Latina".
Madrid, 2005: Perfecto Cuadrado - Prêmio Luso-Espanhol de Arte e Cultura 2008 - Lisboa.
"Chega com Nunca Mais Seremos os Mesmos ao topo mágico dos grandes poetas.
És uma das mais poderosas poéticas do mundo atual." Rio de Janeiro, 2005 - Gerardo Mello Mourão.




Contatos com o poeta:

email: luizdemiranda@terra.com.br
http: luizdemiranda.wordpress.com
Fones: 55. (51) 3085.9947 e 55 (51) 9179.4891.